El director Brady Corbet sobre la arquitectura de The Brutalist

Las expectativas de El brutalista son altos. El actor convertido en director Brady Corbet ya se llevó a casa el León de Plata en el Festival Internacional de Cine de Venecia en septiembre. Y ahora ingresa a la gran temporada de premios de Hollywood con siete nominaciones a los Globos de Oro, incluyendo Director de Película, Guión de Película y Película Dramática.

El brutalista es una epopeya histórica que sigue a László Tóth (Adrien Brody), un renombrado arquitecto de la Bauhaus, que viaja desde Budapest a Pensilvania después del Holocausto. Allí conoce a los Van Buren, una familia adinerada con vastos recursos, de esos que podrían revivir la carrera de un arquitecto talentoso. Aunque una serie de acontecimientos descarrilarían el trabajo inicial, László es resistente y, con el tiempo, es invitado a diseñar un centro comunitario enorme y ambicioso.

Después del intermedio (sí, hay un intermedio) vemos a László viviendo en la tierra de los Van Burens. Incluso ha podido utilizar sus conexiones para reunir a su familia que fue separada de él por la fuerza durante la guerra. Pero si parece fácil apoyar a László, no lo es. Porque al final de cada victoria viene una pérdida. Y son el alcohol, las drogas y el mujeriego los que lo desgastan. Eventualmente, El brutalista sale de Pensilvania hacia una cantera de mármol en Carrara, Italia, para vivir la escena más sorprendente de la película.

Hablé con Brady Corbet, quien coescribió el guión con su esposa Mona Fastvold, y discutimos sobre su irritable protagonista, la duración de casi cuatro horas de la película y por qué los ricos sienten que necesitan coleccionar artistas más que su arte.

The Verge: En el corazón de El brutalista es una historia sobre hacer lo que sea necesario para sobrevivir en tiempos de incertidumbre. ¿Qué hizo que esta historia fuera tan urgente para ti?

Brady Corbet: Realmente siempre trato de trabajar con temas que seguirán siendo relevantes para mí, independientemente de cuánto tiempo lleve ponerlos en marcha. cuando hice Infancia o voz lux o El brutalistason películas históricamente cargadas y temáticamente ricas. Es material rico. Cuando llegamos a la página 173 o lo que sea y escribimos el final, sospeché que podría tomar algún tiempo hacer que esto despegara.

Y la película trata temas de individualismo, capitalismo, inmigración y asimilación, y creo que todas estas son cosas con las que prácticamente cualquiera tiene alguna experiencia real en cualquier línea de trabajo que esté haciendo. Obviamente sé cuánto tienen que luchar los periodistas para cubrir lo que quieren cubrir y recibir un salario digno, y se ha vuelto cada vez más difícil para los artistas, escritores, arquitectos, cineastas, lo que sea. Creo que es algo con lo que cualquiera puede identificarse. Y, por supuesto, como todo el mundo está anticipando cómo manejará la inmigración la nueva administración, creo que es algo que está especialmente en la mente de los espectadores en este momento.

El momento en que László le dice a Audrey: “Yo tampoco soy lo que esperaba” realmente habló del instinto de supervivencia de este personaje. ¿Puedes hablar sobre encontrar eso con Adrien Brody?

Adrien es un tipo muy, muy inteligente. Y no quiero hablar mal de los intérpretes, pero está extraordinariamente en sintonía con lo que esta película estaba haciendo en términos de sus temas y realmente de todo lo que tenía en mente. Creo que realmente entendió el material y entendió dónde poner el énfasis en la sílaba. Y creo que cuando lo conocí, tenía esa cualidad realmente elegante y también me recuerda a un artista de otra época.

Para mí, es como Gregory Peck o los primeros De Niro. A medida que nos adentramos en una era en la que me resulta muy difícil elegir piezas de época, hay muchos actores que adoro que se someten a mucha cirugía plástica, y es muy difícil porque no se puede elegir a alguien que haya tenido tantas. cirugía plástica en una película que tiene lugar antes de 1975. Realmente me aferro a estos artistas, hombres, mujeres y jóvenes, tantos jóvenes que se están sometiendo a cirugía plástica, como los de 18, 19 años que simplemente son naturales. Y creo que Adrien tiene esta angustia que también está ahí. No sé exactamente de dónde viene eso, pero tengo claro que se trata de una persona que ha vivido mucho. Ha exprimido mucho jugo del limón.

Y creo que todo eso fue muy atractivo para mí. Creo que, por supuesto, su herencia fue un factor. Sabía sobre sus antecedentes. Sabía que su madre había huido de Hungría en 1956 durante la revolución. Estaba excepcionalmente bien preparado para el papel.

Hay un cierto tipo de persona rica a la que le encanta coleccionar gente. El personaje de Guy Pearce, Harrison Lee Van Buren, es el pináculo de un coleccionista de personas.

Estoy tan fascinado por los mecenas que no quieren simplemente coleccionar la obra. Quieren coleccionar a los artistas.

Guy realmente lo entendió de inmediato. Creo que cuando leyó el guión comprendió plenamente la pieza. La película fue autoseleccionada, diría yo, porque todas las personas que se quedaron con el proyecto mientras se desmoronaba y se volvían a juntar tantas veces. Todos tenían un punto de referencia muy fuerte sobre de qué se trataba esto.

Es simplemente una persona tan específica. Los veo por todas partes.

Absolutamente lo es. Escuche, creo que la secuencia en Carrara, y cuando realmente comienza a entrar, cuando la realidad se vuelve líquida y alcanza el estado mítico griego después de dos horas y media. Lo que fue tan importante para mí acerca de Carrara es que el mármol de Carrara es un material que no debería poseerse y, sin embargo, recubre nuestras cocinas y baños. Pero el material desaparecerá en 500 años. Esas montañas no existirán. Y eso es increíblemente inquietante porque ahora son como queso suizo, por supuesto, y hay constantes desprendimientos de rocas.

No es tan peligroso como lo era hace 70 años, cuando la gente literalmente se cortaba las manos todos los días, pero sigue siendo bastante peligroso. Hay plataformas para helicópteros y allí tienen dos propósitos. El primer propósito es sacar a las personas que resultan gravemente heridas. La segunda razón es que a muchos compradores les gusta volar y elegir una losa para su casa, una escultura o lo que sea.

Es esta cosa VIP, que creo que es totalmente hilarante e inquietante. Y para mí, creo que ese tema de aquello que no se puede ni se debe poseer. Las alegorías visuales fueron muy ricas en ese lugar.

A lo largo del primer acto, te deslizas por todas estas nociones históricas románticas de Pensilvania. ¿Por qué la historia tendría que desarrollarse allí? ¿Qué fue lo que fue importante para usted en Pensilvania?

En 1935, cuando los nazis cerraron la Bauhaus Dessau, Walter Gropius logró conseguir que muchos profesores, protegidos, artistas y diseñadores se ubicaran principalmente en universidades del noreste. Hay una razón por la que muchos de los grandes terminaron en esa parte del país. Ésa es específicamente la razón, pero para mí, especialmente por Paul Rudolph y Louis Kahn, era importante ubicar la película en un lugar que sea muy, muy rico arquitectónicamente.

Y en realidad fue sólo a través del proceso de trabajar en la película que realmente aprendí tanto sobre la historia de Pensilvania. Y eso es lo interesante de hacer una película: es importante que sepas lo suficiente para hacer una película sobre el tema, pero también debe haber algo de espacio para que descubras algo porque vas a estar trabajando. en ello durante tantos años que tiene que ser exploratorio. Quiero descubrir algo con el público. No estoy tan interesado en decirle a la audiencia o enseñarle a la audiencia.

Como director, ¿cómo se puede generar confianza en el público para que se mantenga comprometido durante toda la ejecución, con el intermedio y todo?

Simplemente creo que es intuitivo. Veo cosas buenas. Veo cosas malas. Miro todo. Y el cine es un lenguaje en este momento en el que me siento bastante versado. Me siento bastante fluido en este momento. Y creo que se convierte en una segunda naturaleza. Lo que sigo diciendo sobre esta película es que es larga, pero no es cine de duración. Hay mucho cine de duración extraordinario. Me encanta el trabajo de Lissandra Alonso o Bela Tarr o Miklós Jancsó, que también fue el padre de mi editor, David Jancsó. Pero con esta película eso no era parte de su composición, intención, diseño o editorial.

Es interesante porque, y para algunos espectadores, creo que a veces la gente puede encontrarlo muy frustrante porque omito intencionalmente muchas de las cosas que, para mí, siento que los primeros 30 minutos de la mayoría de las películas son demasiada exposición. Es solo que te cuentan sobre los antecedentes de estos personajes y exactamente por lo que han pasado. Y simplemente no creo que eso sea muy interesante. Quiero conocer a un extraño convincente.

Y quiero conocerlos a lo largo de la película. No quiero ver una película en la que en los primeros cinco o diez minutos sepas exactamente cómo va a terminar. Y eso es casi todo.

Es muy, muy raro. Y lo que fue interesante para mí fue que en términos de subvertir la estructura clásica, pensé: “Es un lugar natural para terminar la película con una retrospectiva del trabajo de este personaje”. Pero lo que es muy inusual, más allá del hecho de que formalmente es bastante inusual (gran parte se filmó en DigiBeta y es un gran ajuste saltar de 1959 a 1980) es que el personaje de Adrien no tiene voz en esa secuencia. Está físicamente presente por su logro, pero tal vez no esté mentalmente presente por su logro. Su esposa está muerta. Y hay una gran cita, y es uno de los escritores góticos del sur. No sé si es Flannery O'Connor o Faulkner o Cormac McCarthy. Es uno de ellos. Pero hay una gran cita que dice: “El espíritu del hombre se agota en la cima de sus logros. Su mediodía señala el inicio de la medianoche”.

[Ed note: It’s Cormac McCarthy and the exact quote is “His spirit is exhausted at the peak of its achievement. His meridian is at once his darkening and the evening of his day.”]

Y creo que eso es muy cierto. Es interesante que esos momentos que para el público o para cualquiera que estuviera desde afuera pareciera que eran momentos de gloria. Por lo general, estás demasiado agotado espiritualmente para apreciarlo realmente de alguna manera. Y era importante para mí hacer algo que fuera, sí, absolutamente clásico en términos de A, B y C, pero la calidad y el tono son una verdadera melancolía. Y suceden muchas cosas al final de la película. El éxtasis siempre va acompañado de agonía y viceversa. Y es importante que las películas representen eso.

Y luego, lo último que me gustaría decir es que creo que siempre me ha preocupado la forma en que se retrata a los supervivientes en el cine, que con frecuencia son altruistas. Son como santos. Mi problema con eso es que sugiere que sólo podemos sentir empatía por alguien si es perfecto. Y para el personaje de Adrien, para mí era importante que fuera una historia de amor. Ama profundamente a su esposa, pero también tiene una mirada errante. Es en gran medida un hombre de mediados de siglo. Es un mujeriego. Sin embargo, ambas cosas pueden ser ciertas. Podemos empatizar con él incluso cuando se porta mal.

El alto coste de fabricación pesa mucho sobre László y toda su familia. ¿Sabías que al final, cuando lleguemos al epílogo, valdrá la pena?

No sé si para él merece la pena. No sé. Creo que hay algo un poco ambiguo en la conclusión de la película: cuando hablas con la mayoría de las personas al final de sus vidas, normalmente te dicen: “Créeme, pasa más tiempo con tus hijos”.