Entrevista al director de Añora, Sean Baker: escribe el final primero

La película de Sean Baker. Añora ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de este año, lo último en las aclamadas narrativas del director sobre trabajadoras sexuales que incluyen Mandarina, El proyecto Floriday Cohete rojo. Pero Añora podría ser su trabajo más atractivo y accesible hasta el momento.

Anora (o Ani, como ella prefiere) es una bailarina erótica en un club de caballeros que encuentra una manera de dejar el trabajo sexual después de conocer al hijo de un rico oligarca ruso llamado Vanya. Ani (Mikey Madison) y Vanya (Mark Eidelstein) se fugan y, de repente, una vida que solía implicar complacer a clientes borrachos se ha convertido en una de lujo: una mansión para vivir, dinero para gastar y diamantes para lucir. Pero los excesos resultan fugaces cuando Ani se da cuenta de que Vanya no ha sido del todo comunicativo.

Hablé con Sean después Añoraen el Festival de Cine de Nueva York para hablar sobre cómo encuentra sus historias, el poder de las mujeres en su filmografía y cómo hacer que una película de presupuesto medio parezca una película de gran presupuesto.

La siguiente conversación ha sido editada para mayor extensión y claridad:

¿Cuándo lo supiste? Añora ¿Iba a ser la próxima película que querías hacer?

Hubo un momento eureka, en el que descubrimos la trama principal. Mi equipo estaba trabajando con un consultor que tenía más que ver con la comunidad ruso-estadounidense que con la comunidad de trabajo sexual. Estábamos explorando la idea de esta joven a la que le pasó algo, algo en lo que la mafia rusa la tenía como garantía porque su marido holgazán le debía dinero. Empezó a darse cuenta, en el transcurso de unas 24 horas, de que su marido no era el hombre con el que pensaba que se había casado porque no acudió al rescate. De repente, empezó a gravitar hacia los hombres, sus captores, en una especie de síndrome de Estocolmo.

Me intrigó esa idea, pero no quería contar una película de mafia. No quería hacer una película de gánsteres, así que estaba tratando de descubrir qué más la pondría en esa situación. Estaba en Zoom con este consultor cuando le dije: “¿Qué tal si simplemente se casa con el hijo de un oligarca ruso?” Y ella se rió a carcajadas cuando dije eso, y entonces supe que había golpeado algo. Fue ese momento en el que dijimos: “Lo conseguimos. Eso es todo. Ahora vayamos y escribamos esto”.

Muchas de las historias que has contado tienen sus raíces en el poder de las mujeres. ¿Qué pasa con esas historias que es importante para ti?

Mis películas son a menudo sólo reacciones a lo que no veo lo suficiente en el cine y la televisión o a lo que quiero ver más. No soy la primera en tener un enfoque empático hacia el trabajo sexual (definitivamente, no la primera), pero no veo mucho de ello, y son pocos y espaciados. A menudo, cuando veo representadas a trabajadoras sexuales, normalmente son personajes secundarios o caricaturas, y eso se ha vuelto cada vez más consciente. Se ha convertido en una decisión consciente mía con cada película, más aún, contar una historia universal con un personaje tridimensional completamente desarrollado, que es una trabajadora sexual, para simplemente… no diría normalizar. , pero ahí está, supongo. Mi táctica subversiva aquí es lograr que el público piense realmente en el trabajo sexual de una manera diferente, ayudar a aquellos que lo ven con ese ojo de estigma, a eliminarlo.

Añora Me parece tanto una película de gran presupuesto como una especie de película del tipo “Vete a la mierda, mírame”. ¿Cómo lograste eso?

Tenía un presupuesto ligeramente mayor que El Proyecto Florida. Cuando haces estas películas, para poder competir con todo lo que hacen los estudios o incluso los miniestudios, tienes que poner todo ese dinero en la pantalla. Hay que hacer que una película de 6 millones de dólares parezca una película de 50 millones de dólares que produciría Hollywood. Así que lo ponemos todo en la pantalla y siempre filmamos en exteriores, y tenemos múltiples ubicaciones. Creo que esa es la gran diferencia. En muchas películas independientes, supongo que existe algo que dice: “Oh, ¿estás haciendo una película con un presupuesto determinado? Hazlo con dos encabezados, colócalos en un departamento y nunca saldrán del departamento”. ¿Usted sabe lo que quiero decir? Y por eso lucho contra eso.

También tengo elencos corales. Eso es muy importante para mí, principalmente desde el punto de vista creativo, porque me encanta ver a un elenco reunirse de una manera muy caótica y confrontativa, y ver todas estas diferentes personalidades en juego, pero también porque también agrega valor a la producción. . Un elenco grande se siente más grande.

La película comienza en un club llamado Headquarters en Manhattan. ¿Qué te atrajo a ese lugar?

Quería explorar esta nueva ola de clubes de caballeros, que son básicamente clubes de baile erótico, porque son únicos. Es algo nuevo que aún no he visto representado en cine ni televisión. Hay todo un nivel de intimidad que viene con este tipo diferente de club de caballeros. También recuerda algo que siempre me ha intrigado. En la Primera Guerra Mundial, tenían algo llamado Dime a Dance, cuando los soldados llegaban a una ciudad cuando estaban de permiso y le pagaban a una joven para que bailara con ellos por diez centavos.

Esta es la versión de 2020 de Dime a Dance, y me parece fascinante la forma en que hay tanta psicología involucrada. Es totalmente diferente a simplemente bailar en un poste en un escenario. Quiero decir, la interacción, la transacción que ocurre, es muy interesante. Estos jóvenes bailarines se están acercando a un cliente o un cliente se les acerca. En cuestión de segundos, tienen que leer a ese hombre y tratar de decir: “Está bien. ¿Cómo ajusto mi desempeño para lograr que esta persona gaste dinero en mí y tal vez lo lleve a un negocio privado? [place]?” Es un verdadero ajetreo, pero implica psicología. Implica que el bailarín esté exactamente en sintonía con lo que esa persona está pasando o pensando.

Hablemos del final. ¿Puedes hablarnos de lo importante que es para ti pegar el rellano en una película?

Bueno, los finales para mí son el número uno. Son lo más importante. Es con lo que estás dejando a la audiencia. Es de lo que van a estar hablando minutos después cuando salgan del cine, y siempre tengo que pensar en el final antes incluso de poner una palabra en papel. Tengo el principio, el medio y el final, y descubro ese final, ante todo. En este caso fue muy estresante porque pedí mucho.